LA LLEGADA DE LOS INGLESES EN EL VALLADOLID DE 1605

Este curso hemos tenido el honor de ser invitados por el Departamento de Inglés de la Universidad de Valladolid, a través de su Directora la Doctora Berta Cano, y por el Centro de Formación de Profesorado para colaborar en el proyecto: La ruta de los ingleses: de Cervantes a Shakespeare.


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Este curso 2019-2020 vamos a investigar sobre la llegada de los ingleses al Valladolid de 1605. Un año clave para la ciudad y para España, en el que la ciudad de Valladolid -por entonces la capital de España- fue testigo directo de ese acontecimiento. La ciudad se engalanó durante 5 días que duraron los festejos y, además, todo eso coincidió con el nacimiento del futuro heredero al trono: Felipe IV. El embajador inglés Lord Charles Howard of Eiffingham llegó a la ciudad con un séquito de más de 600 hombres. ¿Os imagináis la reacción de la gente de la ciudad? Nunca habían vivido algo igual, y después de esto Valladolid tardará en celebrar algo de semejante impacto a lo que sucedió en 1605. El impacto que tuvo ese evento, no solo fue en Valladolid, se dejó sentir también en Europa.

Los ingleses vinieron a ratificar el acuerdo de Paz  de 1604 que se firmó en Londres.  Fue un tratado de pazfirmado por España e Inglaterra el 28 de agosto de 1604 que marcó el final de la Guerra anglo-española de 1585-1604.

Vamos a hacernos muchas preguntas y vamos a conocer mejor la historia de nuestra ciudad de Valladolid a través de la investigación y recreación de diferentes sucesos y eventos de todo tipo que sucedieron durante los fastos celebrados en la ciudad durante una semana.

¿Sabíais que tenemos un edificio muy cerca de nuestro instituto que se llama el Colegio de los Ingleses? Se llama The Royal Collegue of Saint Alban, y fue  fundado en 1590 por Robert Persons, jesuita inglés, bajo la protección de Felipe II, con la intención de formar sacerdotes ingleses en Teología católica para combatir el anglicanismo y protestantismo asentados en el Reino Unido.

La iglesia de este Colegio inglés, considerada uno de los mejores exponentes del Barroco en Valladolid, custodia una imagen de la Virgen María bajo la advocación de «Nuestra Señora de la Vulnerata», salvada del saqueo de Cádiz de 1596 y profanada por las tropas inglesas. Las dependencias colegiales están repartidas alrededor del claustro.

Su Rector es nombrado por el rey de España y tiene dignidad de obispo, formando una institución separada de la Archidiócesis de Valladolid. Su actual Rector, nombrado por Felipe VI el 14 de septiembre de 2017, es Paul Charles Farrer, de 48 años de edad​.


A partir de aquí se os propondrán diferentes temas y actividades para conocer más a fondo la historia y la cultura de la ciudad de Valladolid. Continurá…

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INVITACIÓN A LA VIDA

JORGE RIECHMANN  (1962 – )

Poesía comprometida con el cambio climático

 Yo nací

cuando el paludismo

terminaba de erradicarse en España

(en 1965

la OMS dio

la confirmación oficial)

y veo venir cómo moriré

con esas fiebres otra vez endémicas

en mi país

Las promesas incumplidas de la Ilustración

Las promesas incumplidas del socialismo el comunismo y el anarquismo

Las promesas incumplidas de la poesía moderna

Las promesas incumplidas de las vanguardias artísticas

Las promesas incumplidas de la resistencia antifascista

Amigos: ¿no os parece que va siendo hora

de hundir los antebrazos en manantiales de agua fresca

además de seguir rebuscando

añicos por el suelo?

RESPONDE A LAS SIGUIENTES CUESTIONES:

  • Comenta este poema centrándote en: Contexto, tema y explicación del contenido, métrica y figuras literarias más relevantes.
  • Los temas de la poesía de Jorge Riechmann están relacionados con la ecología y el pacifismo. Es un escritor comprometido con el cambio climático. Justifica esto explicando el poema “Rebuscando”.
  • Crea un poema de entre 9 y 15 versos cuya temática esté centrada en alguna de las preocupaciones más relevantes de la actualidad: cambio climático, refugiados, igualdad de género, escasez de recursos, inclusión social de las minorías y de los refugiados, feminismo…
  • Expón de forma razonada qué crees qué podrías hacer tú para mejorar los efectos del cambio climático y qué haces en tu día a día para mejorarlo.   (120-150 palabras)
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COMENTARIO RIMA LVI

BUSCANDO, RIMA LVI, BÉCQUER

Hoy como ayer, mañana como hoy
¡y siempre igual!
Un cielo gris, un horizonte eterno
y andar…, andar.
Moviéndose a compás como una estúpida
máquina, el corazón;
la torpe inteligencia del cerebro
dormida en un rincón.
El alma, que ambiciona un paraíso,
buscándole sin fe;
fatiga sin objeto, ola que rueda
ignorando por qué.
Voz que incesante con el mismo tono
canta el mismo cantar;
gota de agua monótona que cae,
y cae sin cesar.
Así van deslizándose los días
unos de otros en pos,
hoy lo mismo que ayer…, y todos ellos
sin goce ni dolor.
¡Ay!, ¡a veces me acuerdo suspirando
del antiguo sufrir…
Amargo es el dolor; ¡pero siquiera
padecer es vivir!

1. Contextualización del poema.

Este poema pertenece al género lírico -género preferido por los escritores para expresar sus sentimientos, emociones y estados de ánimo-. Fue escrito por el poeta Gustavo Adolfo  Bécquer, escritor español de la segunda mitad del siglo XIX, y pertenece a su obra poética Rimas. Dentro de este libro poético, podría incluirse en el bloque de rimas existenciales, aunque también se puede vincular a las rimas amorosas. La obra de Bécquer se enmarca dentro del Romanticismo español, en concreto dentro del Posromanticismo, movimiento del que aparecen algunos motivos característicos: el desprecio hacia la razón y la poesía intimista y subjetiva.

2. Tema del poema: La monotonía del día a día.

3. Explicación del contenido del poema.

La rima LVI es un poema donde el poeta añora sentir hasta el dolor, porque como mínimo con eso se sentía vivo. El corazón ahora es frío como una máquina, no siente, no es el origen de la pasión; entonces, sin sentimientos no hay fe, y sin fe no hay una finalidad para vivir; aunque igualmente se sigue haciendo las cosas sin cuestionarse el porqué o el para qué. Así que el poema trata de la monotonía del día a día, siempre igual, sin ninguna clase de sentimientos, que es como estar muerto. El poema se desarrolla repitiendo el mismo concepto de diferentes maneras hasta la última estrofa, donde el poeta expresa la añoranza por aquellos días que se sentía vivo, ya siendo para bien (gozo) o para mal (dolor). Y como buen romántico, sin sentimientos no es nada.

4. Análisis métrico del poema.

El poema está formado por seis estrofas de cuatro versos endecasílabos en los impares y heptasílabos en los pares (excepto los dos primeros versos pares que son pentasílabos). Sólo riman los versos pares de cada estrofa, de forma asonante.

Según esta rima, la monotonía de una vida uniforme presenta las siguientes características:
– En la primera estrofa, esta vida es siempre igual, gris  y nunca se acaba (v.v 3-4“un horizonte eterno/ y andar…andar”).
– El cuerpo se comporta como una máquina, todo está programado, es frío… así que el corazón es simplemente el instrumento que hace funcionar la máquina, pero no siente nada; de la misma manera, todo está mecanizado, así que la inteligencia no tiene ninguna función: una máquina ni siente ni piensa.
– En la tercera estrofa, el poeta reflexiona sobre el hecho de vivir como una máquina, sin sentimientos; eso implica no tener fe. Bécquer, es un hombre religioso, así que, cree que el objetivo de la vida es conseguir ir al paraíso (cielo), pero, sin fe, realmente no crees en ello; así que, sin fe, ¿para qué vives? Pero como ni piensas ni sientes, no te lo preguntas.
– En la cuarta estrofa compara este vivir monótono con un cantar en un mismo tono (aquí la música sólo puede expresar un sentimiento: la monotonía), y con una gota que cae eternamente.
– En la quinta estrofa vuelve a decir lo mismo otra vez, al igual que en la primera estrofa: cada día es igual, y “sin gozo ni dolor”.
– Finalmente, en la última estrofa hace un grito de añoranza por los momentos de sufrimiento, porque eso como mínimo era signo de vida.

Así como el tema del poema, su desarrollo es igual de monótono: siempre habla de lo mismo con palabras diferentes.

5. Análisis de las principales figuras literarias.

En este poema de Bécquer están presentes algunos encabalgamientos (entre los versos: 4 y 5 y 6, 11 y 12, 15 y 16, 21 y 22; y 23 y 24).
En cuanto a los recursos estilísticos cabe destacar además: las exclamaciones de los versos 2, 21, 22 y 23, que remarcan el aburrimiento que siente el poeta a la vida monótona; el *quiasmo del primer verso (“Hoy como ayer, mañana como hoy”), los paralelismos (verso 3: un + nombre + adjetivo), las comparaciones en la segunda estrofa vv 5-6: el corazón es como una máquina, las personificaciones en el verso 8: torpe inteligencia, el epíteto del tercer verso (“horizonte eterno”) y la *sinestesia del verso 23 (“dolor amargo“).

*Quiasmo: repetición del orden de palabras.

*Sinestesia: Figura retórica que consiste en la atribución de una sensación a un sentido que no le corresponde, como en los sintagmas “amarillo chillón” o “se oye la luz”.

6. Valoración personal del poema.

En este poema Bécquer parece que estaba en un mal momento personal. En esta rima, Bécquer menosprecia las ideas del mecanicismo: el hecho de presentar la realidad como una máquina, con reglas fijas, absolutas y constantes, que la hacen tan aburrida. Es una realidad demasiado fría, sin sentimientos; y eso no es vida. Desgraciadamente, él mismo se ve sumergido en una vida así: no siente nada. Parece que vuelve a predecir su muerte temprana porque ya directamente se siente muerto.

Actualmente, este poema se podría utilizar como crítica a aquellas personas que deciden vivir sin preguntarse por qué hacen las cosas, y sin la iniciativa de cambiar el rumbo de su vida, de manera que siempre hacen lo mismo; no se atreven a poner chispa a su vida, probar cosas nuevas, a sentirse vivos. Serían como piezas sumisas de una máquina más grande, pero simplemente eso.

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EL TEATRO EUROPEO MODERNO

LOS ORÍGENES DEL TEATRO EUROPEO

El teatro medieval tiene sus orígenes en el ritual cristiano, ya que la Iglesia comenzó a escenificar pasajes de la Pasión o narraciones del Antiguo Testamento con la intención de que las ideas que pretendían transmitir calaran más hondamente en la población, en su mayoría iletrada.  Al principio, estas escenificaciones se hacían dentro de la iglesia durante los servicios religiosos, en lengua latina, y en ellas aparecen ya los elementos dramáticos básicos: color, movimiento, indumentaria especial, o insinuaciones verbales con las que se busca la implicación del público. Llegó un momento (alrededor del siglo XII) en el que  el teatro dejó de representarse dentro de la iglesia y las escenificaciones se hacían en el atrio. Se sustituye el latín por las diversas lenguas vulgares. En España sólo se conserva solamente una obra de este tipo: el Auto de los Reyes MagosPoco a poco se desplazaron a las plazas públicas  quizá por alguna de estas razones: porque las dramatizaciones se hicieron demasiado elaboradas, o porque se fueron introduciendo elementos profanos, cómicos, y tal vez  poco decorosos.  A pesar de todo, los espectáculos seguían siendo esencialmente religiosos. La organización ya no estaba en manos de la Iglesia, sino que  tanto la puesta en escena  como la interpretación  corría a cargo de los gremios, es decir, de las asociaciones de artesanos profesionales. Muchas veces estos gremios representaban episodios bíblicos acordes con su profesión. Así, por ejemplo, en Inglaterra, en York, los constructores de barcos eligieron “El arca de Noé”,  los panaderos representaban frecuentemente “La última cena”,… Estos espectáculos, en sus inicios, se representaban sobre tablados elevados e incluso sobre carromatos que se podían trasladar a distintas partes de la ciudad.  En estos escenarios medievales también participan juglares, danzarines y mimos, es decir, cómicos itinerantes pertenecientes a los grupos marginales de la sociedad.

     Los géneros teatrales que triunfan en la Europa medieval:

  • Los misterios: eran obras teatrales de temática religiosa,  sacadas de la Biblia o de las vidas de santos. Sus representaciones eran espectaculares: podía durar varios días, participaban numerosos actores (incluso, a veces, todo el pueblo) y los escenarios se montaban al aire libre sobre grandes tablados.
  • Los milagros:  de temática religiosa, se basaban en leyendas piadosas sobre pecadores salvados del infierno por intercesión de la Virgen. Eran más breves que los misterios y su puesta en escena era más sobria y sencilla. El más conocido es el Milagro de Teófilo, del escritor francés del siglo XIII Rutebeuf. Este milagro gira en torno a un hombre que vende su alma al diablo, uno de los temas más fecundos de la literatura universal.
  • Las farsas: de carácter profano y no religioso. Su finalidad era entretener. Son pequeñas piezas cómicas y satíricas de asuntos similares a los fabliaux franceses. La más famosa es la Farsa de maese Pathelin,  perteneciente a la literatura francesa del siglo XV y de autor desconocido.
  • Las Danzas de la Muerte: aunque no pertenecen al género teatral, hay indicios de que pudieron ser representadas. Eran poemas que surgieron en Europa en el siglo XIV a raíz  de la Peste Negra. En ellos, la Muerte, que aparece personificada como un esqueleto implacable y cruel, invita a diversos personajes, pertenecientes a las diferentes clases sociales, a abandonar este mundo para danzar con ella. El tema central de todas estas Danzas es el poder igualatorio de la muerte, que no distingue al poderoso del humilde o al joven del anciano.

EL TEATRO EUROPEO MODERNO.

      Aunque sigue representándose un teatro de carácter religioso (misterios, autos, etc,) promovidos por la Iglesia con motivo de las grandes fiestas litúrgicas, tras el período medieval, y con la llegada  del Renacimiento, se favorece la recuperación y el estudio de la cultura clásica greco – latina y con ello, la recuperación de las grandes obras teatrales de la Roma  y la Grecia antiguas.  Además de representarse obras clásicas de dramaturgos como Plauto o Terencio,  muchos escritores escriben y estrenan tragedias, y sobre todo comedias,  a imitación de las obras clásicas.  Esta recuperación del teatro se dio, en primer lugar, en Italia entre finales del siglo XV y principios del siglo XVI .  Este nuevo teatro surgido en Italia se representaba en los palacios y estaba destinado a una minoría formada por los  nobles y por los intelectuales humanistas.  Aunque a la vez, también en Italia,  aparece un tipo de teatro cómico  destinado al gran público: la llamada Comedia dell’ arte  (es decir, del oficio, de la profesión: teatro de profesionales). Es un tipo de teatro sin diálogos escritos, con un guión a partir del cual los actores improvisaban. Aparecen una serie de personajes fijos: Arlequín,  es un criado pícaro, vestido con un traje de rombos y cubierto con una máscara de cuero negro provista de bigote; Polichinela,  personaje melancólico que lleva una careta con una gran nariz ganchuda; o Colombina, la criada siempre dispuesta a burlarse de su señor, … En la Comedia dell’arte italiana tendrá gran importancia la mímica, la expresión corporal. Este teatro popular  llevará a los cómicos profesionales a recorrer diversas ciudades representando sus obras en las plazas, las posadas, o en lugares específicos para la representación teatral, como los corrales de comedias. Su influencia será decisiva en el teatro posterior.

A pesar de la importancia de Italia en la creación del teatro moderno,  las grandes obras  del teatro europeo moderno surgen  entre  el siglo XVI y el XVII en Inglaterra, con el llamado “teatro isabelino” cuyo máximo representante es Shakespeare, y en España, con la “Comedia Nueva”, con dramaturgos como Lope de Vega o Calderón de la Barca, entre otros.

 

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EL TEATRO ISABELINO: ORIGEN

A principios del S.XVI la vida teatral  londinense estaba en manos de compañías ambulantes, los llamados “cómicos de la legua”, gentes de malas costumbres según la mentalidad puritana de la época. En el 1576 fueron expulsados de Londres. La creciente afición teatral hizo que se crearán teatros fijos y que se dignificara la figura de los cómicos. Las compañías teatrales empezaron a gozar de la protección de los reyes y de los nobles.

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A finales del S.XVI existían ocho teatros en la ciudad. Se trataba de edificios abiertos (siguiendo el modelo de los patios de posada, donde los actores instalaban unos tablados muy simples para la representación de sus obras). Estos nuevos edificios eran circulares u octogonales, con tres plantas que guardaban en su interior un escenario al aire libre. Los espectadores, pertenecían a todas las clases sociales, pero no se mezclaban: había galerías cubiertas para el público más rico; los espectadores más pobres ocupaban la parte descubierta, delante del tablado donde se representaba la obra. El escenario era una simple plataforma elevada y muy amplia, con un techo. Se piensa que estos teatros podía llegar a albergar a tres mil espectadores.  No había apenas  decorados, lo que se suplía con  la imaginación de los espectadores y con la aparatosidad del vestuario, con frecuencia heredado de algún noble que hubiera muerto, ya que los actores solían estar bajo la protección  de un noble.  A diferencia del teatro español, las mujeres no podían actuar y  los personajes femeninos eran desempeñados por hombres.

     El teatro inglés tiene su momento de mayor esplendor  durante el próspero reinado de Isabel I (1559 – 1603) ya que surge en Inglaterra un teatro nacional cuyo máximo exponente es William Shakespeare. Aunque Shakespeare está considerado ahora el mejor dramaturgo inglés de todos los tiempos no sucedía así en su época (eran mucho más famosos otros dramaturgos: Christopher Marlowe o Ben Jonson, por ejemplo). Durante esta época el teatro es popular, contacta con el pueblo gracias a la protección de la reina. Pero las autoridades municipales desconfiaban de los teatros por distintas razones: las multitudes que allí se congregaban hacían aumentar el riesgo de que se propagaran enfermedades; en el teatro y en sus alrededores la gente se emborrachaba y armaba jaleo; muchas veces, la temática de las obras chocaba con el gran puritanismo existente en Londres; por todo esto, muchas veces se prohibía la actuación de una compañía teatral. Cada vez más atacado por los moralistas y por los puritanos, fue perdiendo fuerza. Alrededor de 1615 comienza a ser patrimonio de una minoría y las representaciones se hacen en la corte, distanciándose del pueblo.  En 1642  el Parlamento dispone cerrar  los teatros y la escena queda reducida a representaciones esporádicas de aristócratas aficionados.

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DON JUAN TENORIO, JOSÉ ZORRILLA

José Zorrilla (1817-1893), autor de Valladolid, perteneció a una familia de ideales monárquicos absolutistas y comenzó sus estudios de Derecho que posteriormente abandonó. Empezó a ser conocido en el círculo literario a partir de que narrase en el funeral de Larra, unos versos en el cementerio en su honor. Puede decirse que es de los pocos autores de aquella época que gozó de fama en vida: viajó a Francia y vivió una temporada en México. Su obra se enmarca dentro del Romanticismo español tradicional.

 

CLAVES DE LA OBRA DE DON JUAN TENORIO.

Don Juan Tenorio es su obra más representada y conocida. La obra es un drama romántico y es escenificada, normalmente, en muchos teatros en el Día de los Difuntos, rompe con la tradicional regla de las 3 unidades. Se caracteriza por una abundante cantidad de actos, que aparecen titulados. Su estructura externa se divide en dos partes:

  • La primera parte desarrolla una aventura humana y amorosa.
  • La segunda parte se centra sobre todo en el espíritu religioso y sobrenatural.

Dadas estas dos partes tan diferenciadas, se abre paso una obra de pura y meditada reflexión. Ambas partes, se desarrollan cada una en una noche y existe una diferencia temporal de 5 años entre ellas. Esta obra, que añora el pasado (característica propia y común del Romanticismo tradicional), se sitúa en la España de Carlos V.

Sus personajes principales:

  • Su personaje principal, Don Juan, presente en El Burlador de Sevilla, es un joven amoral, libertino, que va seduciendo a mujeres, da igual el número, que finalmente vive un encuentro sobrenatural desencadenando así el último momento de la obra, su salvación o condena eterna. José Zorrilla, a diferencia de la obra barroca, se centra en una sola aventura amorosa y presenta a un personaje principal, en este caso Don Juan, que se arrepiente y consigue la salvación por medio del amor.
  • Don Luis Mejía, quien Don Juan acaba matando en la obra. Este personaje se ha visto como una representación del pecado de Don Juan. Por lo mismo, la muerte de Luis Mejía simboliza el final  de su vida pasada.
  • Doña Inés, el personaje opuesto a Don Juan, es quien aporta la bondad y la inocencia a la obra. Doña Inés es quien doblega la maldad de Don Juan y se le pinta muy próxima a la divinidad: un ángel de amor que es capaz de actuar como mediadora entre Dios y el mundo. En ella, José Zorrilla, intenta representar la creencia en la salvación del ser humano, reflejando la importancia que tiene para el ser humano, los valores de bondad y fe. También la posibilidad de encontrar el amor verdadero.

De la lectura de la obra destacamos tres sucesos:

  • La apuesta: Don Juan apuesta con don Luis Mejía, su competidor, que en el plazo de seis días seducirá a Doña Inés, una novicia que está a punto de convertirse en monja, y también a Doña Ana, con la que don Luis va a casarse.
  • Don Juan consigue su propósito, pero se enamorada perdidamente de Doña Inés, raptándola. El Comendador, padre de Inés y don Luis buscan venganza. Don Juan, tras intentar una reconciliación con ellos sin éxito, los mata y tiene que huir de Sevilla. Es cuando Don Juan declara su verdadero amor a Doña Inés antes de la tragedia. De ahí estas famosas líneas: ¡Ah! ¿No es cierto, ángel de amor, que en esta apartada orilla más pura la luna brilla y se respira mejor?”.
  • Muerte y salvación: Cuando Don Juan regresa cinco años más tarde a Sevilla, su hogar, su palacio, recoge un pantéon que alberga los sepulcros de don Luis Mejía, el Comendador y de doña Inés, quien murió de tristeza. Al final de la obra, la estutua del Comendador, intenta arrastrar a don Juan al infierno, pero el espectro de doña Inés intercede por él, consiguiendo así su arrepentimiento y su salvación eterna.

 Temas principales a lo largo del drama:
El tema central de la obra es la salvación del pecador por amor. La fuerza del amor consigue transformar la personalidad y el espíritu del protagonista, de arrogante y pendenciero en arrepentido y temeroso de Dios. Otros temas secundarios son: la confianza en la clemencia de Dios aun cuando el arrepentimiento se produce en el último momento; la seducción y la conquista amorosa; el mundo de ultratumba; el honor; la muerte.

Formas de expresión más generalizadas:

  • Las acotaciones: indican elementos del decorado, vestuario, y sugieren movimientos, gestos, actitudes, estados de ánimo, …
  • Los diálogos: los de la primera parte son rápidos, activos, dinámicos. En la segunda parte predominan los diálogos más extensos.
  • Los monólogos de don Juan transmiten una profunda emoción. Destaca el declamado frente a la estatua de doña Inés (parte 2ª, acto 1º).
  • Los apartes teatrales son utilizados sobre todo por Brígida y tienen una intención cómica y humorística.

ACTIVIDADES PROPUESTAS

  • Elaborad un póster o una presentación con medios informáticos sobre una recreación de la vida de Don Juan Tenorio (con lo que conoces de lo que has leído en la obra) o sobre las distintas versiones que existen del Don Juan.
  • Realizar una lectura dramatizada o poner en escena alguno de los sucesos más relevantes de la obra.
  • Si tu fueras don Juan o doña Inés, explica en unas 120-150 palabras cómo reaccionarias ante la actitud del otro o la otra.
  • Escribe un pequeño ensayo sobre si en nuestro mundo actual son posibles, toleradas o tolerables actitudes como las de don Juan.
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PROYECTO GUÍA POR UN DÍA

El proyecto que estamos trabajando durante el primer trimestre con los alumnos de CLEN de 2º ESO consiste en que dichos alumnos al final del mismo realizarán una visita guiada, a alumnos de 1º de la ESO y a alumnos 6º de Primaria que invitaremos al centro, de la exposición sobre  REFUGIADOS que hemos traído al instituto.

Las láminas que hemos expuesto en el instituto las han pintado, de forma voluntaria y gratuita, diferentes artistas griegos para reflejar lo que está sucediendo en el Mar Mediterráneo y lo que sucede con los refugiados que están llegando a la costa europea. Así reflejaron la tragedia que viven miles y miles de personas que no han cometido otro delito que huir de sus países por causa de la guerra, la represión, la persecución o el hambre.

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FASES DEL PROYECTO:

1º Observación de las diferentes láminas de la exposición que hay por los pasillos del Instituto.

2º Cada alumno se fija en una de las láminas y elige una.

3º Cada alumno rellena su ficha de trabajo sobre la lámina escogida:

  • Describe lo que ves en la lámina elegida de la forma más detallada posible.
  • Explica por qué te ha llamado la atención esa lámina.
  • Ponle un título.

4º Ahora preparo mi exposición oral con los compañeros y la profesora en el aula.

5º Ya estamos listos para hacer de guías con los compañeros de 1º de la ESO y algunos alumnos invitados de 6º de Primaria de los coles cercanos: San Fernando y García Quintana.

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EXCELLENT MEMORIES ABOUT ERASMUS+ WEEK IN VALLADOLID

FINAL VIDEO OF ERASMUS+ WEEK IN VALLADOLID BETWEEN 6 AND 11 OCTOBER 2019

I want to thank all the students and teachers who participated in the activities of the Erasmus+ project for their collaboration and good work during those days. I also want to thank Izan Burgos, 2nd ESO student, for his help in the audiovisual assembly of Erasmus activities and his willingness to always collaborate with us.

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EXPOSICIÓN ORAL PRIMER TRIMESTRE 1º BIE

Elegid uno de estos temas y preparad una exposición oral de entre 5-7 minutos sobre el tema elegido. Dicha exposición tiene que estar apoyada en una presentación audiovisual (Prezi o Power Point).

  • Los mitos y la religiosidad en la literatura hindú: elegid 5 mitos y exponerlos.
  • La poesía épica hindú: el Ramayana y los vedas.
  • Parejas literarias más famosas de la literatura occidental hasta el siglo XVI: elegid al menos 4 y explicad en qué libros aparecen, quién fue su autor, la importancia de estas parejas en otras artes: cine, pintura, escultura, música…
  • El rey Arturo en el cine y en la literatura.
  • Margarita de Navarra y su obra El Heptamerón.
  • Los ensayos de Montaigne.
  • La pintura y la música en el Renacimiento italiano.
  • La Biblia y su influencia en el cine: citad alguna película en concreto y explicad cómo ha influido la Biblia en dicha película.

 

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EXPOSICIÓN ORAL PRIMER TRIMESTRE 4ºB

La prueba oral del primer trimestre consistirá en elegir un personaje ilustre del siglo XX relacionado con la ciencia, la medicina, las matemáticas, la química, la física, la arquitectura, el cine y  la pintura que no sea español y que no haya destacado en las ciencias sociales- y realizad una exposición oral de 5 minutos. Se valorará muy positivamente que sea un personaje femenino. Tenéis que exponer su biografía, el contexto histórico en el que vive o ha vivido y sus principales logros (explicar en lo que ha destacado o destaca ese personaje ilustre).

Para realizar la exposición os tenéis que apoyar en una presentación audiovisual en Power Point o Prezi.

EVALUACIÓN:  mediante una rúbrica entregada a los alumnos, en la que se va a hacer hincapié en: si es un texto expositivo, estructura de la exposición, información relevante y adecuada a lo que se propone, claridad a la hora de exponer, medios audiovisuales en los que se apoya para la exposición y si se ajusta al tiempo indicado para la exposición.

NOTA DE LA EXPOSCIÓN: 2 puntos máximo.

Las exposiciones orales comenzarán el lunes 28 de octubre.

 

 

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